La escena transcurre en Alemania, cerca del Berlín de 1931.
Es cine en estado puro, un puñetazo de arte e historia directo al corazón. El director convertido en doctor en antropología social.
Con qué aparente sencillez...
Una de las escenas más terroríficas para cualquier persona con inquietudes de libertad y librepensamiento.
En una película musical sorprende visceralmente esta inyección de crudo fanatismo que muestra con inteligencia y efectividad la miseria moral y asesina que una nación, sus gentes, puede llegar a alcanzar. En 1933, Hitler fue elegido jefe de estado por el pueblo alemán.
Terror emocional puro.
Con solo esta escena, Bob Fosse se elevó a genio del cine.
Alguien debería enseñar esto a los jóvenes en las escuelas y universidades; no los evangelios de la globalidad oscurantista. Que sean capaces de identificar este escalofrío del canbíal fanatismo tan repetido y actual. Tan probable en todo tiempo de la historia.
Aunque estoy seguro de que no entenderían, no sabrían lo que ven. La amorfa masa votante no entiende, no identifica lo obvio, mucho menos las sutilezas. Margaritas a los cerdos. Ningún camello ve su propia giba.
Comienza la historia con un perro en un bosque que escarba en la tierra. La dueña se da cuenta de que ha descubierto una calavera humana, limpia de tierra los restos hasta descubrir dos esqueletos humanos uno al lado del otro.
Y ahí empieza la historia del cocinero de una colla de cazadores colonos del viejo Oeste; que buscando setas en el bosque se encuentra a un chino desnudo entre la fronda que se esconde de unos rusos que lo quieren matar. Y ambos se hacen amigos.
Crítica:
Es casi arte y ensayo del Oeste filmado en formato cuadrado. Dejando de lado el triste título: La primera vaca; me arriesgué a verla hace ya unos minutos.
Y sí, mantiene durante largo tiempo la triste sensación de que estás ante otra película de homosexualismo. No puedes dejar de pensar que, como es habitual ya en el cine actual, la historia va a narrar vida, penalidades y ternuras de dos homosexuales en el Oeste; pero sorprendentemente no hay razón suficiente para interpretar esta amistad como homosexualismo. Es un descanso…
A los que les interese, concluirán que con el tiempo se hubieran convertido en pareja de hecho, pero eso ya no es película, es paja mental de cada cual.
Como toda película de autor que se precie, avanza lenta, aburrida y mediocre incluso en los diálogos.
Pareciera que el fin de la película es plasmar la mediocridad y miseria de aquellos nómadas colonos en su búsqueda de la riqueza.
Si es así, la mediocridad queda debidamente certificada, demostrada y escenificada desde el primer momento.
Un diez de hastío es la película.
Lo mediocre también es triste, desesperanzador y asfixiante porque nunca acaba. Es como una gran boa envolviendo el planeta con sus anillos.
A mitad de la película ya sabes que la gran aventura de los protagonistas es ordeñar una vaca, hacer buñuelos con la leche y venderlos con éxito.
Es una gran obra de la mediocridad porque incluso los actores trabajan aburridos.
Hastiados y apáticos por ese desesperanzador guion del aburrimiento cinéfilo.
Hay un par de actores bastante conocidos que al aparecer brevemente, no parecen aburridos y consiguen actuar, aunque de mala gana.
Es de imaginar que la directora también se aburría y se fue a tomar cafés mientras los subalternos rodaban o grababan la película. O simplemente dejaron las cámaras grabando y se fue todo el equipo técnico a la cantina del pueblo de donde quiera que se encontraran.
Y para mayor drama (las desgracias nunca llegan solas), la película dura casi dos horas.
¡Qué bien plasmado el hastío! A quien le guste el aburrimiento, verá en esta peli una obra ya antológica de la historia del cine.
Y si bien plasmado está el hastío en la cinta, la desgana no le va a la zaga.
Directora: Kelly Reichardt.
Actores: John Magaro, Orion Lee, Toby Jones, Ewen Bremner.
David Dunn, un hombre patológicamente triste y guardia de
seguridad en un estadio de fútbol, sale ileso de un grave accidente de tren en
el que mueren todos los pasajeros.
El dueño de una galería de arte de cómic con una grave
enfermedad ósea y una vida llena de dolor, contacta con él. Le plantea que
puede que no sea un hombre normal. Y que nació para otra cosa más que para ser
guardia de seguridad.
Dunn en principio cree que el galerista está loco; pero
encuentra evidencias y recuerdos reprimidos. Y sobre todo la tenacidad de su
hijo en creer que pudiera ser un superhéroe, le llevarán a su propio descubrimiento.
Crítica:
Es el mejor estudio que se ha filmado nunca sobre la
depresión, tal vez Melancolía vaya a la zaga.
Un drama muy denso al que no le falta intriga. Alejándose completamente
de las películas de cómic habituales.
Willis como Dunn, crea el personaje más triste del mundo.
Una emoción mucho más profunda que una depresión al uso. A ningún personaje le
ha pesado tanto la vida como a Dunn, que es incapaz de sentir optimismo tras
ser el único superviviente y además ileso de un accidente de tren.
Personifica el auténtico espanto, la agonía de saber que no
hace lo que debe, ni sabe para lo que ha
nacido. Porque tiene algo escondido que le oprime la alegría, la vida misma.
Ha pasado mucho tiempo desde que la vi. Y cada vez que
vuelvo a ver la película, pienso que estoy ante una obra maestra. La obra para
la que nacieron el director y el actor.
Willis hace un papel increíblemente difícil, arrastra la
tristeza y la impregna en el resto de personajes; los opaca con ella.
El resto de actores trabajan impecables; pero Willis
respira, asume y sintetiza la tristeza en cada gesto, hace suya cada escena.
Es de una originalidad que rompió moldes y nada ha podido
superar. Entiendo que el director pueda sentirse angustiado, es fácil pensar
que no conseguirá superar esta película.
Director: M.
Nigth Shyamalan.
Actores: Bruce Willis como David Dunn. Samuel
L. Jackson como Don Cristal. Spencer Treat Clark y Robin Wright.
Un matrimonio francés que se dedica a la restauración de casas y cultivo ecológico en una aldea tercermundista de Galicia, se enfrenta con unos vecinos endogámicos, mezquinos y envidiosos porque no venden su tierra a una empresa de energía eólica.
Crítica:
Puta gente envidiosa…
Que retrate tan bien a esos cerdos endogámicos es lo único bueno de la película.
La película es solo un panfleto de formas pseudo filósoficas de la España profunda, donde los mezquinos borrachos envidiosos y narco-criminales eliminan gente honrada. Más o menos destaca la película que la condición de ser pobre, en muchos casos va ligada a la deficiencia mental. Y claro, saben que lo son, idiotas.
Y se enfurecen.
Y muerden.
Y rabian.
Es lo más fácil del mundo desearles la muerte a lo largo de la película.
Es lo único que destaca de la película.
La buena actuación del malo gallego (el más parlanchín y beodo) y la de la mujer del francés, es correcta.
Porque el actor del personaje central, parece tener alguna parálisis facial.
Y los demás se hunden en la mediocridad y la asepsia emocional.
Por lo que respecta a la fotografía, mejor te compras una cuantas postales que saldrán más baratas y gratificantes que gastarte el dinero en el cine o el alquiler de la película. Y no requiere más de dos horas largas de tragarte el ladrillo en canal incómodamente sentado.
Es tan solo un producto pretencioso del enaltecimiento del nazismo del coronavirus: su feminismo, su alarma climática, su ecologismo metafísico-religioso y el martirologio nazi: pon la otra mejilla, no seas violento, déjate matar y serás amado y querido.
En fin, obedece y calla.
Es en definitiva un canto chapucero, de más de lo mismo, a la ideología del nazismo poscoronavirus. Una lección de catequesis pura y dura.
Algo tan pretencioso como para no subtitular el noventa por ciento del ladrillo que es francés y gallego. Es puro esnobismo, como si en la España del nazismo poscoronavirus, todo el mundo supiera hablar francés y gallego de la forma más natural del mundo.
No solo es pretenciosa, es cansina, aburrida, previsible y con una acción apenas inexistente. Podrían convertirla en obra de teatro sin problema alguno.
Un catálogo institucional y pagado por el estado español de elitista mezquindad, envidia y martirologio.
Una película blanca blanquísima para aquellos de pose progre y cultura inexistente, salvo la doctrina religiosa de la obediencia al régimen, la ecología y el clima de usura, y la moraleja de lo muy mala que es la violencia.
Es lógico que el actual régimen español la haya recompensado.
Como el amor del franquismo por aquel otro ladrillo que nunca faltaba a su cita cada doce de octubre: Agustina de Aragón.
Las liturgias de las dictaduras solo varían en los títulos de sus películas.
Director: Rodrigo Sorogoyen.
Actores: Luis Zahera, Marina Fois, Diego Anido, Denis Ménochet, Marie Colomb.
The Fast & The Furious: A todo gas el serial que lleva ya nueve episodios (diez con el que se estrenará este año 2023), sin contar otros realizados en paralelo, además de los cortos. Y todo comenzó un aciago 2001 😓.
Va para veintidós años…
A las películas de A todo gas se les puede aplicar aquello que el narrador de la divertida George de la jungla nos avisaba: “¡No os preocupéis! Nadie muere en esta historia, solo se hacen mucha pupa.”.
Aún no entiendo porque Disney no ha comprado la franquicia.
Son películas absolutamente pueriles.
Incluso la acción, a medida que ha ido pasando el tiempo es tan blanca y pura como la de los superhéroes Marvel.
Sin duda alguna, cualquiera de las películas podría servir para inducir al sueño a los niños de entre cuatro y diez años, sobre todo por las breves escenas de diálogos o cháchara que aburre a las ovejas por su puritanismo. A mí no me da sueño porque soy muy listo y enseguida me pongo el blurrey de Encontré al diablo (2010) para desintoxicarme de tanto azúcar.
Y es que si no hay coche en una escena de A todo gas y solo diálogo, sientes angustia por los actores, por la vergüenza que deben pasar de interpretar eso.
Las miradas estilo espagueti-western de los setenta del siglo pasado, están pasadísimas de moda. Toretto y Letty se pegan nos cruces de miradas que incluso se les ve los ojos cansados, con las escleróticas enrojecidas de tanto usarlos sin razón alguna, por un mal guion simplemente. Pero dejando de lado su artificialidad y caricaturismo, algún buen y piadoso samaritano podría clasificarlas de vintage, ná menos que un homenaje a Leone y Peckinpah 😀.
Si yo fuera actor rezaría por no quedarme sin trabajo para no tener que trabajar en un episodio de A todo gas, el 132 por ejemplo, A todo gas: Menopausia de Letty y la próstata de Toretto.
Y recordad: todo por la familia, la familia es todo, sois mi familia, soy vuestra familia, hay que ayudar a la familia, mi amigo es mi familia, lealtad a la familia, y mi familia, mi familia, mi familia, mi familia…
Una familia de una colonia de puritanos en Nueva Inglaterra, es desterrada por un exceso de fanatismo del padre. Viajan hasta un territorio boscoso para crear un nuevo hogar. El problema es que hay una bruja que lo infecta todo de maldad y muerte, absolutamente todo lo que les rodea y a ellos mismos. Una “justicia” oscura les hace pagar caro su exacerbado fanatismo religioso.
Crítica:
Debería ser la película que sirviera de introducción a La semilla del diablo.
No es, en absoluto, una película sencilla. Al terror satánico de la brujería se suma un fuerte drama de paranoia e histeria familiar. Y todo ello con un guion casi literario en su maestría. El folclore y la forma de vida de aquellos colonos, sus histerias y alucinaciones religiosas, más que rodado parece escenificado para un ensayo histórico.
Es una joya del terror. Desinhibidamente sórdida y cruel en los actos que se describen y sorprendente en su realismo.
No hay un solo instante luminoso, los días grises, los interiores y las noches en contrastada penumbra. Como si toda la familia fuera el ganado estabulado de un ser superior. La fotografía es magnífica y los planos del macho cabrío e incluso los de la liebre, consiguen ser impactantes, poderosos. El cuervo picoteando el pecho de la madre, es un cuadro goyesco.
Los actores trabajan a la perfección. Y el director lleva la película a un grado de realismo tal, que cuando acaba, por muy sórdido que sea lo que has visto; desearías que fuera real para que hiciera la vida más interesante y te arrancara de toda esta actual mediocridad que vivimos con sonrisas falsas, memes piadosos pseudo filosóficos y deseos de amor y paz puritanos en su ingenuidad infantil; producto de un retroceso a las eras más oscuras de la humanidad: cobardía, ignorancia y fe religiosa en los líderes demócratas, que resurgieron como fascistas con y gracias a la epidemia del coronavirus o covid.
Es inevitable comparar la histeria puritana religiosa de La bruja, con la actual del 2022.
Tan fascinante de ver toda esa miseria humana y cruel satanismo, como incómoda por su realismo magistral e histórico.
Esto es cine y lo demás son tonterías.
Director: Robert Eggers.
Actores: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith.
Diversos personajes en distintas situaciones dramáticas que de
una forma u otra los relaciona. Historias entrelazadas propias de las grandes
ciudades (Los Ángeles, USA), todo lo malo que ocurre en ellas.
Crítica:
Es dura, dramática, emotiva, sensible, socialmente
comprometida.
Una gran película y también, incómoda de ver porque todo lo
que ocurre es espantosamente cotidiano y mediocremente malo. Como si no hubiera
esperanza.
No hay una salida de emergencia a la magia.
Todos los personajes están conectados por las cosas malas de
la ciudad, porque todo lo mezquino e indigno ocurre en las ciudades, esas
granjas humanas donde hay una selección genética de sus moradores, que ha
desembocado en mala y degenerativa endogamia.
Todo son grandes tristezas, porque salvo los pequeños seres,
todo es enormidad en el planeta.
Todo lo que se genera en una ciudad es malo y sórdido.
Es antinatural.
Y no puede tener un final feliz.
Director: Paul
Haggis
Actores: Don
Cheadle, Ryan Phillippe, Matt Dillon, Terrence Howard, Chris
"Ludacris" Bridges, Thandie Newton, Larenz Tate, Shaun Toub, Brendan
Fraser, Jennifer Esposito, Loretta Devine, Michael Peña, Sandra Bullock, Bahar
Soomekh, William Fichtner, Keith David.
La
historia de una familia de locos y deficientes mentales que conviven como una
familia normal en un lugar sórdido y sucio; narrada por las lecturas que un
librero hace del diario del hijo menor.
El hijo
menor de la familia, es un niño obsesionado, desesperado y aterrorizado por los
genes que comparte, por la locura que come y caga todos los días.
Pero
todo lo que le rodea: ciudad, familia, amigos y él mismo, lo aboca a la miseria
más profunda, a un cerebro que se pudre. Y cada episodio, parece superar al
anterior en dureza y surrealismo.
Lo peor
de todo, es que parece una familia normal, como todas lo son antes de que se
cierre a los extraños la puerta de la casa.
Crítica:
"Porque sueño yo no lo estoy.
Porque sueño, yo no estoy loco."
Tremenda película, dura hasta llevarte al
infierno de la miseria y dejarte en él durante horas. Es lo que ha de ser el
cine: impactante, dejar huella, transmitir las emociones y ser dinámico.
No es una película que guste, es incómoda y
refleja la más profunda ponzoña de los humanos, lo que pueden llegar a ser y
son.
Hay escenas repugnantes, pero el director es
valiente y no se arredra ante nada, ni ante la violación de una gata, ni la
masturbación del protagonista con un hígado crudo de animal. Entre decenas de
escenas duras, durísimas.
La banda sonora es digna de oírla durante
horas: Tom Waits con dos grandes
canciones y los Rolling Stones.
Es una película inolvidable, perfecta. Solo
para personas formadas y que aguanten toda esa depresión, tristeza y miedo con
la que nos deja tras verla. Que asuman esos sentimientos con satisfacción de
saber que lo que han visto, ha dejado una impronta cuya resaca durará algunos
días.
Director: Jean-Claude Lauzon.
Actores: Maxime Collin, Gilbert Sicotte,
Ginette Reno, Julien Guiomar, Giuditta Del Vecchio, Denys Arcand, Pierre
Bourgault, Andrée Lachapelle, Yves Montmarquette. Nacionalidad: Canadiense y francesa.
